El Taller de Fotografía del fin de semana del 20 al 22/Enero/2012 en el Camping de Vaderredible de Polientes (Cantabria)… inmejorable! Se ve que Yuri se lo curra bien, lo vive, trasmite fluido, sabe llegar y todo lo hace sencillo y fácil. El grupo al ser reducido ha favorecido que el ambiente fuera fraternal.  Todos han sido unos compañeros muy majos.

Deseo sobre todo a Ivan, que debutaba en esto de la fotografia, mucho ánimo y perseverancia, pues los comienzos siempre son duros, pero con Yuri al lado y las neuronas frescas que tiene, pronto llegará a ser un gran fotógrafo.

El tiempo fué demasiado bonancible para la epoca del año, y no había mas que ver el nivel del Rio Ebro para saber que será un año duro de sequía.
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La mañana era fria y el sol estaba haciendo lo posible por abrirse un hueco entre la niebla. Me tropecé con un joven que salía a pasear a su perro y ademas a su “cardelina”, que es como se llama en Aragón a los jilgueros. Curioso, no ? Me comento que si salia a disfrutar de la naturaleza con su perro porque no iba a dejar que disfrutara tambien su pajaro…. ¡Hermoso argumento! La verdad es que se le veia muy contento, saltando en su jaula que su dueño habia colocado entre unas zarzas y a la que desde lejos no perdía de vista.
Al final salió el sol y se acabo todo el misterio que proporcionaba la niebla y la cencellada comenzó a derretirse…..
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Pero su historia se remonta al menos allá por el siglo XV cuando se supone fué construido su castillo.  Éste está formado por una torre rodeada de un recinto de planta cuadrada. La torre está construida en piedra de sillar y consta de dos cuerpos,  con un pequeño talud en la parte inferior. Presenta gran cantidad de  saeteras en todos sus frentes, organizándose en dos niveles de altura. De propiedad particular. Se utiliza como vivienda.

La mañana era fria, el sol empezaba ya a levantar la niebla, el paseo por el pueblo y el canal de castilla fué entretenido y las fotos caían una tras otra. Todas fueron tomadas con la Nikon D90, objetivo Nikkor 18-200 y tripode. El filtro polarizador no acababa de trabajar bien y tuve que cambiar a un ND 0.6 Degradado Hard que tampoco hacía milagros. Aunque usaba nivel, no en todas conseguí “clavar” el horizonte.

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Es el 28 de Octuble de 2011, las 18:38, Playa Covachos, Liencres, Santander, Cantabria, España. Un lugar privilegiado, hermoso, cercano… y desde ahora inolvidable para nosotros!.  La marea está alta, muy alta… cuando tan solo a penas una semana antes y casi a la misma hora, la mar estaba baja y eran accesibles las rocas de enfrente.

Las olas diluyen nuestros recuerdos y los reparten entre las piedras del fondo, mezclandose con la arena de la playa. La resaca toma algunos de ellos que son llevados por las olas hasta estamparles indeleblemente en las paredes rocosas de la isla.  Ahi quedaran nuestros recuerdos para siempre y nos estara permitido recuperarlos cada vez que volvamos a Playa Covachos y nos ensimismemos en sus olas.

Detras está Playa La Arnía. Los ultimos rayos del sol lucen dorados en las paredes rocosas que la protegen, mostrando su elaborada textura. Islotes rocosos, esparcidos aqui y alli, nos recuerdan lo dura que es la mar, lo dura que es la vida.

El sol, ocultandose entre las nubes cargadas de lluvia proyecta una gama de tonalidades tan bonita y armoniosa que nos anima a elevar el espiritu. Pronto anochecerá. El sol se ocultará llevandose todas nuestras insignificancias. Mañana volvera a salir para recondarnos que… la Vida Sigue !!!

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La técnica de la Acuarela se aprende mas o menos bien, y cuanto mas se practica mucho mejor dominamos las aguadas, la humedad del papel, la mezcla de colores, sacar luces …etc. Pero en mi opinion la “interpretacion” es algo muy distinto, y no por mucho practicar se mejora mas rápido.  Al contrario, puede que al practicar una y otra vez el error no avancemos nada hasta que no cambiemos de metodologia de aprendizaje. Es sobre ésto sobre lo que quiero reflexionar un poco.

Para mi, la interpretacion empieza por tener en mente una imagen mas o menos clara del resultado que queremos obtener, e ir plasmandola poco a poco en el papel de acuerdo con la tecnicas aprendidas.  Como la acuarela tiene un componente importante de azar, debemos en la medida de que vaya apareciendo, aprovechar esos “regalos del cielo” (como llaman algunos) para conseguir mas espontaneidad y gracia en la pintura final.

Al principio, cuando te inicias en la pintura, esa imagen que tienes en la cabeza suele ser una copia fideligna del modelo, la cual intentamos copiar con todo lujo de detalles… lo que acaba en un cuadro “agarrotado”, del que vemos algo no funciona.  Ello no es obice para que haya artistas consagrados que cultivan el hiper-realismo y que consiguen obras verdaderamente geniales.  No, no es a estos sino a los noveles a los que enfoco estas reflexiones.

Con el tiempo, los noveles tenemos que evolucionar y decantantarnos poco a poco hacia nuestro propio estilo, aquel que nos caracteriza y que solo los mejores artistas consiguen, y gracias al cual viendo un cuadro puedes reconocerlo como de Alvaro Castagnet, Charles Reid, Joseph Zbukvic… etc.  Tambien es habitual que la mayoria de los artistas tienen una evolucion en el tiempo del mas o menos realismo hacia la mayor o menor abstraccion.

Para aprender a interpretar podemos utilizar basicamente dos sistemas: Uno el clasico, es decir el de copiar una y otra vez los cuadros de los maestros a quienes te quieres parecer.  Otra seria el de desarrollar tu propia metodologia de interpretacion, y que para mi tiene dos fases: uno “estudiar-comparar” y otra “inspirarse-practicar”.

Para la fase estudiar-comparar, lo primero que habria que hacer es conseguir una buena base de datos con las fotos de los cuadros de nuestros artistas favoritos, lo cual hoy dia con internet es relativamente facil de conseguir y este mismo blog hay buen numero de ejemplos. Conviene que esos artistas (a los que nos gustaria parecernos) no sean de estilos muy contrapuestos ya que si no va a ser dificil compaginar en uno de nuestros cuadros las soluciones que nos aportan para un mismo tema u objeto.

No es necesario que la base de datos sea muy grande, y es mejor que sea variada de temas. Deberianms organizar las fotos de acuerdo con criterios que luego nos sea mas facil encontrar cosas: paisaje, marinas, paisaje urbano… y quizas meclados los autores dentro del mismo tema, para poder comparar detalles mas facilmente.

Una vez lo tengamos todo preparado viene la fase de estudio.  Aqui conviene que cuanto mas horas dediquemos a ver, comparar y memorizar los cuadros mucho mas nitidas y claras tendremos las imagenes en nuestra mente a la hora de interpretar en el futuro nuestros.  Deberiamos estudiar como resuelven los diferentes elementos que componen un cuadro: cielos, montañas, horizontes, arboles, follaje, hierba, calles, calles en la lejania, pasos de cebra, edificios, fachadas, torres, capiteles, coches, tranvias, farolas, horizonte marino, agua de rio, de mar, olas, barcas, arena, sombrillas, personas, gaviotas, palomas, perros…etc.

La fase inspirarse-practicar tiene por objeto ensayar practicamente lo estudiado antes, y a la vez que pintamos nuestros cuadros.  Elegimos un tema por ejemplo una foto de un paisaje urbano. Revisamos nuestra base de datos, comparamos y vamos tomando los elementos que nos interesen (calle, fachada soleada, fachada en sombra, ventanas, balcones, torre de iglesia, arboles, toldo, farolas …etc) hasta componer en nuestra mente una imagen de como nos gustaria que quedara nuestro cuadro. Al principio cuesta pero conforme avancemos en el cuadro podemos consultar las dudas que nos vayan surgiendo de como resolver un determinado detalle del cuadro. No conviene copiar exactamente a los maestros pero tampoco debemos pintar descuidadamente para evitar el parecido pues entonces nos saldra un autentico “churro”.

No hay que olvidar los tres “deberes” del artista para que un cuadro no sea un mero copiar-pegar los diferentes elementos que lo componen. 1) Debemos insinuar (solamente) los detalles para estimular la inteligencia del observador y provocar su reaccion. 2) Debemos conectar unos con otros,  p.e. lado derecho con izquierdo, cielo con plano medio, éste con el primer plano… pero sobre todo evitar que las personas parezcan que estan pegadas encima sino que estan integradas en el entorno (Alvaro y Joseph lo hacen genial).  3) Debemos dar ambiente al cuadro no poniendole mil y un detalles, sino mediante luces, sombras, ambigüedad de lo lejano, cromatismo…etc para conseguir una verdadera obra de arte.

En fin, espero que estas reflexiones os sirvan, especialmente a mi hermana Julia a quien las dedico, y a la que animo a perseverar y disfrutar con esta maravillosa expresion artistica, que es la acuarela.

En las fotos siguientes podremos observar y deducir como interpretan el paisaje de la Costa Brava nuestros geniales amigos ALVARO CASTAGNET y JOSEPH ZBUKVIC, de la misma escuela pero tan diferentes e identificables.

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Este libro fue publicado en Hong Kong en 2002 y se vendía al precio de 17,99 £.  Es una lastima que esté agotado, y que según comentó JZ, las expectativas de re-edicion son practicamente nulas.

Hay otros artistas como Gail Speckmann (Wet-into-Wet Watercolor -1995), Ewa Karpinska (Aquarelle: La Lumière de L’Eau -2002) o la web handprint, que hacen aportes similares con algunas variantes en los grados de humedad del papel y en la dilucion del pigmento. Yo prefiero mejor la propuesta de JZ, e incluso la simplificaria un poco a nivel practico, pero que cada uno tenga su opinion.

Con la lectura de libro no es facil entender del todo bien todos los matices de su teoria del reloj, la cual solo se comprende cuando en directo, ves a JZ hacer sus demostraciones del mismo. Yo intentare explicar las conclusiones que saque del tema, aunque insisto: lo mejor es asistir a uno de sus workshops y alli se disiparan todas vuestras dudas.

En primer lugar decir que JZ ha elegido un reloj para explicar su teoria, precisamente por que el tiempo es el factor clave para aplicar el pincel (con pigmento +/- diluido en agua) sobre el papel (+/- mojado).

No olvidemos que la acuarela es aplicar la dilucion de pintura justa, en el “momento justo”, sobre el papel con la humedad justa… y todo ello: con “gracia” !!!

En la parte izquierda del reloj estan los diferentes estados de humedad del papel:

   WET -  Papel empapado. Se obtienen bordes muy suaves… (incontrolados con el papel encharcado).

   MOIST – Papel humedo. Bordes suaves y controlados. Dejar que los pigmentos interactuen en el papel.

   DAMP – Papel semi-seco. Muy dificil de controlar. PELIGRO … coliflores ! Solo para maestros !!!

   DRY – Papel seco. Se obtienen bordes nitidos. Ideal para lineas y dibujar con el pincel.

En la parte derecha del reloj estan los diferentes grados de dilucion del pigmento. Atencion no confundir con sus colores (te-cefe-leche) ni tonalidades o valores, es solo relacion pigmento-agua:

   TEA – Casi como el agua sucia, corre muy bien  por el papel inclinado.

   COFFEE – Con algo mas de pigmento, que le hace correr un poco menos en el papel.

   MILK – Lavado mas consistente por lo que corre despacio en el papel.

   CREAM – Pintura +/- diluida que corre poco o nada en el papel.

   BUTTER – Pintura tal cual sale del tubo, sin agua.

La importancia de esta clasificacion está realmente en su utilizacion practica: Para qué utilizar cada una de los grados de dilucion de la pintura (para cielos, sombras, mastiles… etc) y sobre qué grados de humedad del papel (humedo-sobre-humedo, seco-sobre-humedo …. etc).

Pero esto da materia para otro articulo…

Durante el segundo taller, al que tuve el privilegio de participar, Joseph pintó nueve acuarelas (formato medio Imperial), cuyas fotografias reproduzco en la galeria adjunta. Fue una gozada ver como las ejecutaba, en su mayoria en la calle pintando del natural. 

En la acuarela de la panoramica de la playa de Calella de Palafruguel es admirable analizar como resuelve las aglomeraciones de gente (era domingo). He puesto fotos de detalle para apreciar bien su idea inicial a lapiz y las figuras que finalmente pintó. En otras acuarelas he puesto la foto del “original” para poder valorar como Joseph simplifica las cosas, algunas cambiandolas de sitio para mejorar la composicion.

Al final he añadido algunos mas cuadros suyos que nos mostro durante el curso, y que son tan ineditos que todavia no los habia firmado.

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Son varios los aspectos que inciden en su exito, sin olvidar que se trata de disfrutar a tope pasando unas mini-vacaciones, inmersos en nuestra aficion favorita: la acuarela.

* En primer lugar, el tutor debe ser de primera fila, y sobre todo que su estilo se adapte a nuestros gustos pictoricos, o a la evolucion que deseamos implementar en nuestra aficion favorita. Si es de talla internacional mejor que mejor, aunque seria deseable que nuestros mas insignes acuarelistas españoles se decidan a encabezar este tipo de eventos.

* El marco donde se desarrolle es tambien muy importante. Preferible aquello sitios donde a cada paso que das tienes un maravilloso tema para pintar. Son lugares tipicos: Costa Brava y Andalucia, pero es una lastima que todavia no se hayan descubierto las oportunidades que ofrece p.e. Castilla o Aragon, con unos otoños suaves, soleados y de una luz admirable.

* Tambien es importante la organizacion: el hotel (normalmente de *** estrellas minimo), sus instalaciones, su cocina, los autobuses para el traslado a los escenarios donde se pinta y la solvencia de la empresa organizadora del Taller.  Tampoco hay que olvidar los extras que te ofrecen (p.e. traslados al aeropuerto cercano, papel acuarela … ) u otros que son gratuitos (prestamo de caballetes, sillas plegables …etc). Todo ello pensado para que puedas trasladarte comodamente con poco mas que tus pinceles, tu paleta de pinturas y tu equipaje.

Se oye que los workshops son caros. Nosotros mismos podemos evaluar si el precio del Taller es caro o barato no es dificil. Primero esta el tutor: hay que pagarle el avion (desde Australia, Urugay, USA o Inglaterra por poner algunos ejemplos), los gastos de alojamiento y sus honorarios (dividido todo ello entre las 20 a 25 participantes del curso). Y despues estan nuestros propios gastos: alojamiento en el hotel, desayunos, cenas, traslados … etc.  Al final, como dice el refran: “Hay vida mas barata, pero no es vida !”

Finalmente decir que estos talleres ofrecen unas oportunidades estupendas para aprender tanto del Tutor como de nuestros colegas, conocer gente de otras regiones u otros paises que comparten nuestra aficion, intercambiar y debatir sobre la acuarela, quizas hacer amistades … Para mi los Talleres, sean de Pintura, de  Fotografia o de lo que sean, son totalmente aconsejables.

Alvaro nacio en Montevideo (Uruguay) bonita ciudad en una orilla del estuario del Rio de la Plata, frente a Buenos Aires. Estudio en la Escuela Nacional de Arte de Montevideo y en la Universidad de Bellas Artes, y emigró a Australia en 1983 donde permanecio 20 años. Ha ganado numerosisimos premios internacionales, ha estado celebrando exposiciones individuales desde 1985, y ha sido reconocida con decenas de premios en los últimos 30 años. Escribe con regularidad artículos para una revista de arte australiana y varias publicaciones internacionales.

Alvaro viaja alrededor del mundo, haciendo demostraciones de pintura, dando conferencias, participando en concursos de arte y haciendo de jurado en exposiciones de pintura. Actualmente reside en Montevideo con su esposa Ana María, y sus dos hijos Gastón y Calvino.

La PALETA de ALVARO

Azul de ultramar: Es una tonalidad azul caliente, transparente y fuerte. Es caliente porque tiene una pizca de carmesí de alizarina en él; mezcla extremadamente bien con la alizarina para crear tonalidades violetas deliciosas. Es también un color muy sedimentario y para nosotros los acuarelistas, esto es muy importante.

Azul Cobalto: Un azul verdadero… una tonalidad encantadora; grande para esmaltar y mezcla bien con tonalidades terrosas. Lo tengo siempre en mi gama de colores.

Azul Cerúleo: Un azul muy frío – es conocido en los medios latinos, como el “cielo”. Y la verdad, la tonalidad es como el cielo de un día claro. Es el azul más frío porque se está inclinando hacia los verdes; muy opaco y con cierto grado de calidad sedimentaria a él.

Carmesí de Alizarina: Es un rojo frío; matiz fuerte; transparente; mezcla bien con el azul del azul de ultramar y el azul del cobalto.

Rojo Cadmio: (o rojo brillante o rojo escarlata) Un rojo caliente; el matiz muy fuerte, tiende a dominar cada mezcla; un poquito opaco; grande para mezclarse con amarillos.

Aureolin: tiene un poco opacidad adicional a ella. No utilizo este amarillo muchas veces pero es un buen activo a tener cerca.

Amarillo Indio: Es muy caliente; se mezcla extremadamente bien con rojo caliente para hacer los más hermosos naranjas (como cuando usted mezcla Aureolin con los azules para las tonalidades verdes hermosas).

Otros colores que tengo siempre en mi paleta es el Siena en sus dos tonalidades…, Siena Tostada y Siena Natural. Y algunas tonalidades exóticas como el Verde Viridian, el Turquesa claro y el “Neutral Tint”.

No tengo negro en mi paleta porque lo encuentro demasiado drástico. Prefiero mezclar mi propia oscuridad – el azul del azul de ultramar, la alizarina carmesí y un poco siena tostada hacen mi obscuridad preferida. Mezclándolos en diversas proporciones podría llegar a tanta obscuridad como el negro, pero de una manera mucho más expresiva. Al mismo tiempo, con estos colores, usted puede obtener una tonalidad muy oscura y caliente, o muy oscura y fría según las proporciones usadas.

Y como mucho, el blanco – en acuarela, utilizamos el blanco del papel por supuesto, pero siempre a lo largo del proceso, por una amplia colada, nos puede hacer falta algunos toques de luz y detalles. Cuando sucede eso, usted podría utilizar un poco guache mezclado con ocre amarillo para quitar la frialdad del blanco puro.